文/兰心 

最初，花鸟画是以陪衬的角色，出现于各种画面之中的。到了唐代，花鸟画才成为独立的画科而充分发挥了其社会价值和审美作用。进入北宋，因皇家画院独钟“黄家富贵”之风，工笔花鸟画在此期间得到很大发展。直到北宋中叶，崔白、吴元瑜等创造了与黄家浓艳重彩大异其趣的“放笔墨以出胸意”的画风，才使宋初埋没多年的徐派“野逸”风格得以发扬光大。此后，工笔花鸟画便开始走向衰落。宋代文人画的标志是水墨梅竹成为独立的画科，其代表人物是文人画理论的倡导者苏轼、文同等。他们主张“不专与形似，而独得于象外”，崇尚笔墨、形式的意趣，强调寓意抒情。而元“四家”之一倪瓒的“逸笔草草，不求形似，聊以写胸中逸气”的说法，更是将花鸟画表现得那么富有张力地叠陈着、生长着，或浸染着露气，或充满着阳光，一切都是那么和谐地展示着生命的律动。而这种和谐境界一而再再而三地在画家笔下出现，我想这是他性情的自然而然地流露，也是他有意追求的花鸟画的天人合一的境界。

因为使用的材料不同，毛笔在着纸的瞬间，由于水墨含量的多少，用笔姿态的不同，笔划运行的轻重缓急，都会使画面上的形态出现奇异的变化。所以写意画对画家造型的能力及笔墨的修养要求极高。更重要的一点，在笔意墨趣间传达出作者的精神境界和思想情感，是写意花鸟画的精髓。“意”是写意画的灵魂，包括笔意、意趣、意味和意境，都是要用心灵去感受的东西。尤其写意花鸟画，在与山水和人物的比较中，更显出其笔墨语言的精炼和境界的幽深。山水画重在表现山峦叠宕起伏的气势和厚重感，它在不断的皴擦渲染中完善着作者的构想和立意，而人物画则可以借助人物的姿态、表情、所处的环境来传情达意。唯有花鸟，是大自然中千变万化的生灵与四季花卉的交替变化，它们本身的存在便是宇宙空间自然而然的生命体现，充满了鲜活的生命意识和自在的生命体验。花鸟画的主题，就是作者将自己的思想感情、创作立意赋予自然的花鸟之中，使它们成为画家情感表达的载体。所以说，写意花鸟画的审美特征，最重要的即是“写”与“意”在画面中的完美体现。

纵观沈庆泉的花鸟作品，很好地体现了写意花鸟画的审美特征，以及写意花鸟画的精髓。观其作品，不论是带霜黄菊、傲雪红梅、清幽荷塘、池塘蛙闹、金秋蟹肥还是金鱼、小鸡、鳜鱼、野菊等，往往了了几笔，就勾画出了这些花卉与小生灵的内在精神，巧用留白，画面简约而意境深远，给人以强烈的精神感悟，无不处处见性情，处处见意趣，极尽物态之鲜活趣味。花鸟、虫鱼、小景，虚与实、隐与显、动与静相互交织，协调统一，在章法、造型、笔墨、色彩、意韵等方面得心应手，在笔歌墨舞中抒写鲜明的个性，以诗人的修养和情怀展开丰富的艺术想象，使画中的情境、意趣得以升华。沈庆泉善于在变化多端的自然环境中捕捉不断变化的花姿鸟态，捕捉彼此之间的情态关联，更捕捉与心境情绪相关的动人画面，处处充满了诗情画意。他将大自然中的一切可以入画之花卉鸟虫尽归于笔下，寄托自己的情思，表达自己的感悟，以及朝气蓬勃、丰富多彩的生活趣味。 他在《野菊秋香颂太平》中描绘田园美景：野草杂卉下奔跑的雏鸡，随风飘来的花香，悦耳的鸟叫，清新的空气，一派恬静质朴的祥和之趣；赏其《荷花图》，笔墨浑厚自然，淋漓洒脱，突出主体，善于剪裁。画面上是淡墨、浓墨组成的荷叶，荷叶之上擎着一朵红色的的荷花，袅袅婷婷，吐露芬芳，叶与花的构图相得益彰，视觉效果极佳。画面鲜活洗练、妙趣横生，给人以心灵的滋润，令人想起“出污泥而不染，濯清涟而不妖”的名句。从沈庆泉的作品中读出了狂放抒写时散发出的豪气，自由奔放中所透露的灵气，整体构成上所显现的大气。线条刚正有力，墨色淋漓酣畅，画风豪放洒脱，劲健朴茂，气息品格中显露出人文内涵和生命意蕴的感悟。